画家萨金特作品

阿尔诺芬尼夫妇像


现藏于伦敦·国家画廊


杨·凡·艾克 （尼德兰）（1380年-1441年）


　　杨·凡·艾克是欧洲的文艺复兴运动时期尼德兰市民美术的奠基人，它与兄长胡·凡·艾克在前人经验的基础上改进了油画颜料并将中世纪遗留下来的细密画形式转换成了富有时代特征的新型油画。
　　《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后来发展起来的风俗画和室内画最早的先例。
　　阿尔诺芬尼是当时有名的卢卡商人兼银行家，也是意大利美第奇家族在布鲁日的代理人。画面以写实和象征的手法表现了阿尔诺芬尼与妻子的真挚爱情：他的左手温柔的托起了妻子的右手，他的右手正在作祈祷姿势，好象是在向上帝感恩并发誓对爱情忠贞不渝；妻子把左手轻轻的抚在自己鼓起的肚子上，微微低下了头，好象在屏息凝神默默的发誓——要尽忠尽责作个贤妻良母。妻子白色的头巾象征纯洁无瑕；绿色的长袍和鼓起的肚子象征着旺盛的生命力和生育后代的责任；地板上的小狗大概象征着忠诚；拖鞋和背景的床铺象征着世俗生活；豪华的吊灯象征着上帝之光永远照耀；墙上，反照着室内全景的镜子象征一切一切都将永久不变……
　　非常明显：作品在光影、体积、空间、质感的塑造上，在色彩的饱和度、鲜艳度、刻画的精确度、真实程度和深入程度上都超越了同时代的意大利，这种超越有艺术观念上的不同，有技法上的差异，但最主要的是绘画材料学意义上的划时代的突破。自由神领导人民



油画
325*260cm 1830年作
现藏于巴黎卢浮宫

作者： 德拉克多瓦 （法）（1798年-1863年）

　　
　　1824年查理十世即位。由于他实施暴政，企图恢复封建王权，以致主张解除众议院、取消资产阶级选举权。限制出版自由而遭到了人们的强烈反对。1830年7月27日，巴黎终于爆发了声势浩大的“七月革命”。起义大军占领了王宫。推翻了波旁王朝。
　　 《自由神领导人民》又名《1830年7月27日》，即是表现这一斗争主题的经典之作，也是德拉克罗瓦最具浪漫特色的杰作之一。
　　在这幅画里，画家大胆的将幻想的形象——“自由女神”与现实中的人物、景物结合在一起：硝烟弥漫中的巴黎圣母院；拿起刀枪勇敢拼杀的工人、农民、学生、知识分子和退伍军人，好象他们为了自己心目中的“女神”——共和国——不惜牺牲自己的生命；而这位美丽、健壮，胸部丰满的自由女神正赤着脚，一手拿着枪，一手高举着象征“自由、平等、博爱”的三色旗，踏着保皇党的尸体带着现实中的人们为自由而战。 　　德拉克罗瓦的艺术明显的受到了其师兄席里柯的影响。但他的画风比席里柯更大胆、更自由、更豪放、更激情澎湃。
婴儿

布面油画
91*76cm 1645年作
现藏于法国雷恩美术馆
拉图尔 （法）（1593年-1652年）

　　
　　17世纪，欧洲画坛多元的局面已经基本打开：在罗马和佛兰德斯盛行巴洛克的时候，意大利还出现了卡拉瓦乔画派、波仑亚学院派；在西班牙盛行“波德戈奈”风（即专门描绘下层生活的风俗画）的时候，还出现了以埃尔·格列柯为代表的神秘主义和以委拉士开兹为代表的注重揭示人本性特质的现实主义和批判现实主义；在荷兰，出现了哈尔斯、伦勃朗这样杰出的肖像大师的时候，还出现了专业的风俗画家、风景画家、静物画家和动物画家；可是这个时候的法国，却只盛行古典主义美术。
　　17世纪的法国，由于君主是国家的最高权威，所以，不论是文学还是绘画、雕刻不但要受到王权口味的局限，还不得不以歌颂君王、服务于宫廷作为创作的首要任务。1648年，在王室的保护下创立了“法兰西皇家绘画雕刻学院”。“学院”只注重模仿而不注重创新，他们甚至把艺术形式分为三六九等，即把希腊、罗马的形式视为第一等；拉斐尔及其学派的形式视为第二等；而普桑和威尼斯画派的形式被排在第三等和第四等；佛兰德斯和荷兰画派的形式则被视为最下等。无疑，这种偏见必然会扼杀和埋没在其他形式上探索而有作为的艺术家。 　　拉图尔是一位从不为君主歌功颂德，也不去迎合贵族口味的画家。在他的创作中，没有同时代“古典”画家那种冷漠、理性而顾弄玄虚的“学究”气，也没有因表现宗教主题而远离现实生活。他喜欢表现烛光，那种朴实无华、集中凝练、简洁概括的形式在当时人们概念的“古典绘画”中极其少见。从这幅《婴儿》我们可以看出 ，作品不但明晰、强烈、极富有生活气息，而且含蓄、温和、庄重而神圣，他那既忠实于现实又不奴化于现实的独特的烛光语言及其微妙的层次处理，不但使人感到亲切和耐人寻味，而且过目难忘。就是这样一位卓越的画家竟然在法国被埋没达两个世纪之久。

橡树


油画
99*64cm 1852年作
现藏于巴黎卢浮宫
作者： 罗梭 （法）（1812年-1867年）

　　
　　19世纪中叶，在法国巴黎郊外枫丹白露林附近，一个叫巴比松村的地方，云集着一表现风景为主的一个画家群体，史称巴比松画派。巴比松画派与19世纪法国民主主义革命运动史密切相关的，如果说法国的民主主义运动促使库尔贝、米勒、杜米埃等画家冲破了学院派只表现历史、神话等古典题材的束缚，大胆的揭示了社会的现实；那么巴比松画派则冲破了学院派臆造风景模式的束缚，客观的反映了真实的自然景物。所以有人把巴比松画派也列入现实主义美术之列。
　　巴比松画派的画家受18世纪法国启蒙主义思想作家卢梭“回归自然”的美学思想影响，同时，继承了17世纪荷兰风景画派和18、19世纪英国风景画派的传统，与库尔贝、米勒、杜米埃等画家同道只表现亲眼看到的、亲身感受到的真实感受，把古典主义习惯了的臆造风景变成了普普通通的自然景色，变成了普普通通的平民生活的地方，这在当时史难能可贵的。巴比松画派直接的孕育了印象派，使印象派的绘画突破了色彩表现的层层禁锢，为西方绘画的色彩表现树立了里程碑。被称为巴比松画派的主要画家有：罗梭、特罗杨、杜比尼和狄亚兹。

　　罗梭是巴比松画派的领袖人物，他一贯坚持以客观态度作画，并力求强烈、充实而精确。他的风景画总有一种大自然史诗般的气势。我们从这幅《橡树》来看，他不仅真真切切实实在在的再现了客观自然景物，也展现了一种豪迈的气质，一种昂然的生机，一种大自然的内在生命，一种罗梭本人所特有的性格特征和人格特征；因此，他的风景画不仅真切、生动，也使人为之震撼。

土耳其浴女


油画
直径108cm 1862年作
现藏于巴黎卢浮宫
安格尔 （法）（1780年-1867年）
　　
　　安格尔愿意把自己称为历史画家，这是因为自17世纪“法兰西皇家绘画雕刻学院”成立以来，传统的古典主义信徒一直把历史画视为最高的等级（第一等级为历史画、神话宗教画；第二等级为风俗画、肖像画；第三等级为风景画、静物画），但是，从美术史的角度来看，安格尔最出色的是肖像画和人体画，可是如果把他的肖像画和人体画再加以比较，就会发现他成就最高的是女人体画。
　　1808年，年仅28岁的安格尔成功的创作了《瓦平松的浴女》。《土耳其浴女》创作于1862年，这幅画是继他最著名的《泉》之后的又一新的探索——如果说《瓦平松的浴女》反映了安格尔借助于女人体的整体感和细腻感来表现人体单纯、洁净、洗练的美感的话，那么《土耳其浴女》则反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，可是众多的“洗练”和“洁净”就是丰富的形式了。这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现具象人体表现这一抽象课题的表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。
圣母子




拉斐尔

　　画中，右边的几簇矮树丛，把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教的世界。母亲与孩子头上环绕的两道光环，是他们圣洁的标志。拉斐尔无需用这种标志来展现他所要表达的东西。他把年轻的母亲绘得那样甜蜜，梦幻般的脸画得如此温柔，当我们看着她时，我们想到的只能是圣母。
　　她那双大大的眼睛根本没看任何东西，因为它们追随着她的思绪。她正在沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。她的另一只手抱着婴儿。当我们把她的双手与脸放在一起理解的时候，我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在想着耶稣与他的未来前程。 与他的母亲相比，小耶稣画得比他那个年龄的男孩大是自然的。拉斐尔创作这个孩子的肖像的方式，确立了耶稣在画中的重要位置。
　　看圣母脸，我们可以发现，她与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似，这是因为，拉斐尔是文艺复兴时期的一位艺术家，他一直在对古代艺术进行研究。但也有不同，拉斐尔把圣母的脸画得更加温柔，他把古代女神的神态画得更精致、更柔和，赋予了一件古代异教徒的艺术作品以新的基督教的含义。
　　拉斐尔赋予了古代美以新的生命。在他的画中，古代艺术获得了再生，并发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就，代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。

蒙娜丽莎

油彩·板画 　
77*53cm 1503-1506年作
现藏于巴黎卢浮宫

达·芬奇 （意）（1452年-1519年）


　　“蒙娜丽莎”那神奇而专注的目光，那柔润而微红的面颊，那由内心牵动着的双唇，那含蓄、模棱两可的微笑，总让人琢磨不透……
　　据史料记载，“蒙娜丽莎”是当时佛罗伦萨著名的银行家佐贡多的妻子。达·芬奇为了唤起她发自内心的情感，曾经请到了钢琴师为她演奏、丑角为她表演。但是，这个见多识广，冷漠、理性的女人并没有使画家得到他想要捕捉到的东西，为此，画家不得不将画作断断续续地延迟了三年。有一天，这个富贵人在翻阅画家草图的时候，忽然发现了画着鸭掌的图画，她感到非常疑惑。画家说，这是他为研究和设计飞行器而画的，因为水流和气流；水浮力和大气浮力；鸭子在水中滑行和飞禽在空飞翔有某种相似之处。鸭掌滑水动作虽然简单，但隐藏着飞行器飞行的某种秘密。这个冷漠、理性的女人听到这番话，又想到飞行器一旦设计成功，人类将可以在空中自由飞翔的情景……顿时，引起了很大震动，并由衷地发出了微笑。这一难得而发自内心深处的微笑立即被达·芬奇捕捉到了，并把它成功地塑造了出来。
　　其实，达·芬奇笔下的这一使人难忘的“微笑”已不是具体的佐贡多夫人的表情了，而是一种具有抽象意义、普遍意义和典型意义的，是“蒙娜丽莎”所有的，是达·芬奇所有的，也是我们大家所共同拥有的人性特质的某种精微的东西。也许，这就是《蒙娜丽莎》巨大魅力的所在。 　　达·芬奇的《蒙娜丽莎》继承了希腊古典主义庄重、典雅、均衡、稳定和富有理想化、理性化的表现规范；但它又进一步突破了希腊古典艺术在人本特质上的局限，为使后来的艺术更进一步走向现实，走向客观，走向更深层，更内在，更微妙的表现树立了楷模。
镜前的维纳斯

布面油画
177*122.5cm 1656年作
现藏于伦敦国立美术馆

委拉士开兹 （西）（1599年-1660年）

　　
　　委拉士开兹是17世纪上半叶西班牙杰出的绘画大师。他24岁入宫，成了腓力四世的宫廷画家。但是，他的艺术并没有因身在宫内而受到束缚，他不仅画君王、王后、王子、公主，也画乞丐、侏儒、白痴和无权无势的朋友；他不仅画《圣经》主题，也借希腊神话主题画风情画、风俗画和人体画。
　　女子裸体绘画在17世纪封建专制的西班牙是极其罕见的，这幅《镜前的维纳斯》也是目前我们所能见到的委拉士开兹唯一一幅女性裸体绘画：这悠闲、侧倚的动势，这丰满、健美的身姿，使我们不禁想到威尼斯画派乔尔乔纳《沉睡的维纳斯》；但是，这扭曲而不失端庄的曲线美感，这背向观众而不失生命欲望的青春涌动，这寓世俗美于理想美的表现方式是富有创作性的，也是威尼斯画派中所没有的。这幅画标明了17世纪西班牙艺术家人本精神的觉醒，也标明了17世纪西班牙人文主义精神在绘画上的独特显示。
沉睡的维纳斯


油彩·画布
175*108cm 1510-1511年作
现藏于德累斯顿美术陈列馆

乔尔乔纳 （意）（1477年-1510年）

　　文艺复兴时候的意大利，形成了风格迥异的美术流派，如佛罗伦萨画派、威尼斯画派、罗马画派、菲拉拉画派、锡耶纳画派……乔托、波提切利、达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔都属于佛罗伦萨画派，它是文艺复兴时期意大利影响最大的美术流派之一。
　　另一支影响巨大的美术流派----威尼斯画派的画家和佛罗伦萨画派比较：前者注重素描和用线造型，后者注重色彩甚于素描；前者注重理性，追求严谨、崇高的风格，而后者注重感性甚于理性，追求轻松、随意、享乐、抒情的审美趣味。
　　在威尼斯画派中，乔尔乔纳是进入黄金时代的第一位杰出的画家。《沉睡的维纳斯》是他的代表作，作者是借着维纳斯女神的庇护表现一种高雅的世俗情趣，一种人体的优美和谐与大自然的优美和谐的统一，一种人体美对自然美、艺术美对生活美的升华。女人体在这里被描绘的细腻而具体；姿态松弛而自然；肌肤丰满而柔润；线条流畅而优雅。这美妙和谐的女人体与背景起伏多变的山丘、山峦、村落、民宅、树冠、彩云以及被褥褶皱的曲线、弧线、折线形成了和谐的呼应和反差的对比，画面所有的一切巧妙地构成了优美、舒适、安逸、恬静的视觉交响。 　　虽然，这幅画的风景部分作者还没有画完就不幸去世了（风景部分由他的师弟提香完成）可是，从画面的构图意识，从作者已经完成的其他作品（如《雷雨》、《田园合奏》等）来看，他的师弟提香完全可以判断——作者试图把大自然作为体现人体自然美、和谐美的一个重要组成部分。正如这幅画，沉寂日暮的自然状态好象正是酣睡入梦的维纳斯，不知是维纳斯已溶入了自然的怀抱还是自然溶入了维纳斯的梦里……这，也许正是原作者乔尔乔纳的本意。

END,
很辛苦的说,, ..

长知识，感谢分享。
尤其第一张由于某电影的上映而让不熟悉的人也倍感兴趣。

引用:

原帖由 jxonline0123 于 2008-2-24 17:59 发表
长知识，感谢分享。
尤其第一张由于某电影的上映而让不熟悉的人也倍感兴趣。

嘿嘿....

好多啊，辛苦楼主了

真多呢，谢谢LZ分享。

不错，支持